乔治・莫兰迪(Giorgio Morandi)，(1890-1964年)，乔治・莫兰迪出生在意大利波洛尼亚，是意大利的版画家、油画家。
莫兰迪的画是以智慧和感觉创造自己的艺术形象。他摒弃了玄学化的球体、多面体，只要有几件日常用品就已心满意足了。他只要把生活中的杯子、盘子和瓶子置入极其单纯的素描之中，以造成最奇特、最简洁、最和谐美的气氛。在莫兰迪创作于二十世纪六十年代的几幅画上，隐约可以看到事物本身的形象，尽管遮挡着事物的是一些变幻的弧影、模糊的污迹、水融性的形象，但背后存在着一定的事物，譬如高楼、或者家具、或者器皿，正是事物表面的位移带来了认识之于存在的偏离，这种位移是谁造成的呢?从莫兰迪的画上，人们似乎难以发现灾难的影子，感觉得到的似乎是时间造成了变化。
在立体派和印象派之间，他以形和色的巧妙妥协，找到了自己独特的画风。他的艺术能给人以极温柔的精神慰藉。西方评论界认为，莫兰迪的画关注的是一些细小的题材，反映的却是整个宇宙的状态。
乔治・莫兰迪一生不曾结婚，没有任何有关他的爱情记录。许多人对他很好奇，因为他一生过着简朴的生活，淡泊名利，于是就称他为僧侣画家;又因他不曾离开波隆那，就认为他的作品区域性色彩太过浓厚，而称他为地方画家。与他往来密切的反而是文学评论家和作家。你不会常常看到他的作品，他大部分的作品为私人所收藏。最有机会看到他的画的地方，一个是米兰的贝拉美术馆，另一个就是他的故乡波隆那的莫兰迪美术馆。
莫兰迪最特别，也是最受批评的，就是他的创作题材仅仅局限在几只瓶子和波隆那郊外的风景。为什么就只画瓶子?在1957年的访问中，莫兰迪曾提到：“那种由看得见的世界，也就是形体的世界所唤起的感觉和图像是很难，甚至根本无法用定义和字汇来描述。事实上，它与日常生活中所感受的完全不一样，因为那个视觉所及的世界是由形体、颜色、空间和光线所决定的……我相信，没有任何东西比我们所看到的世界更抽象，更不真实。我们在物质世界所认知的所有事物，都并非如我们看到和了解的那般。物的质性当然存在，但却不具有任何我们附加在它身上的意义。”
莫兰迪钟情于瓶子，因为他认为，越是简单、平凡无奇的物，就越能从多余的诠释中解放。于是他借着不断反复排列这些形状单纯的瓶子，尝试推翻我们透过定义所认知的世界，而回归视觉观察的、纯粹形体的世界。
仔细看他的画,看看是什么因素定义了空间?是前后重迭的瓶子? 是他们的影子? 还是将画面切割为二，暗示上方的色块是墙壁，下方是桌面的(直线)?莫兰迪在挑战我们对物质世界的概念，我们看到的真是瓶子吗?如果是瓶子，为何没有材质的质感?为何瓶上的油彩笔触如此明显?会不会说它们是几何的图形还更加贴切些?画里有光线吗?是因为影子吗?还是因为颜色?莫兰迪画的全是老掉牙的题材――静物和风景，但是当你无法定义它们真是瓶子时，他的画要算做是现代还是传统?
有人说，莫兰迪的画是静的;有人说，他的瓶子在窃窃私语;有人说，看他的画时，会不由得安静下来。是颜色吧!如果你看过Masaccio或 PierodellaFrancesco的壁画，你就会明白他画中的颜色从何而来。灰的、米白的、粉橘色、灰蓝色、土黄色，每个颜色就像画在石灰打底的墙上，渗入了灰色和白色调，失去了各自原本强烈而浓重的颜色，柔和而优雅地与其它的颜色调和在一起。画中的安静，也来自瓶子的水平排列，它让我们的眼光随着瓶子的形状，缓缓从左到右移动，没有复杂构图的干扰。即使瓶子垂直放在画面中央，也因为几成正方形的画布，而使它达到视觉的完美平衡。1964年，莫兰迪完成了他这一生最后的一幅油画：油罐、长方形罐和圆球排列在画布上，像是紧密地靠在一起，但圆球和长罐的影子却悄悄透露它们与周遭的距离;画中的背景就和左边的锥形油罐相同颜色，而圆球左半边的颜色，又和桌子相同。莫兰迪刻意地安排、着色对象，并等待适当的光线，用颤抖而快速的笔触为他的瓶子留下最后的速写。
从早期超自然的绘画到1960年代的近似抽象的绘画，莫兰迪用了一生的时间去探求普通事物的本质。始终如一坚韧探索的精神使他成为典型的艺术家中的艺术家。
