因为绘画的先天特性，所以得加强这种对景深、空间距离夸张的训练，这是无可厚非，也是非常重要的。但，它是否是金科玉律呢？无论如何，训练的最终目的，是要帮助你的创作，而不是“训练要你怎样，你创作也要怎样。”大多数人学画，是在小时候，青少年时期，老师教的东西最容易“入脑”，也最容易成为你深信不疑的一部分，如果在之后的创作中没有反思基础训练的缺点，就“僵化”了，而在美术高考这种应试教育流毒帮助下，不中毒呵呵可以说很鬼难…
再来谈谈两个运用透视的例子，不用绘画的例子，我直接上电影了：
以上是几张文艺青年很鬼爱的导演王家卫的《堕落天使》截图，用的都是广角镜头，几乎不用对画面元素做什么分析，直观上，因为比例的失真，画面就很有“透视感”。
再看王家卫后来拍都市情爱自己集自己大成的《2046》
是不是“透视感”没那么强？自然，没法否认，它没有《堕落天使》那种大透视，它大多戏的摄影呈现出的是一个逼仄、私密的空间，但，不管是不是绘画，我觉得它依旧充满了“透视感”，试乱涂分析下：
靠近镜头的旗袍上的亮片高光，因为对比最强，形成了最前的前景，拉开了和周慕云的空间距离，假设没有这片高光区会怎样？如下：
透视感瞬间弱爆，因为前后景没有拉开，只剩周慕云那唏嘘的眼神和性感的胡渣。
第二张透视感更微妙，假设打光不打到章子怡身后的铁门，
除了国际章和后景糊在一起外，本来纵深就不强的画面彻底扁平了。
这张主要靠影调重轻度来区分前中后景，呈现出透视感来。
同样是杜可风摄影，《堕落天使》和《2046》拍出截然不同的透视感，这完全视乎创作内容决定，简言之，前者拍的是“后现代”的香港，而后者拍的是“前现代”的香港。
电影例子最后再看一个更极端的，也是文艺青年很鬼爱的Wes Anderson。要说韦生是当世最不爱“透视感”的导演，基本没什么异议吧？
《水中生活》为了表现整艘船的活动，硬是在影棚搭了个等比例的游轮截面，类似的把影片发生的空间当成模型一样的全景镜头的手法，之后的作品比如《布达佩斯大酒店》也频繁用上了，韦生压根就是用偏执狠劲消灭透视感。
韦生还喜欢展现人物的镜头里，让跟人物有关的细节包围人物，比如这是一张，类似的还有很多，即强行剔除“透视感”，让它更像是一张“插画”。（韦生自己也会画插画，他哥就是插画家，这明显影响他影片里的美学。）
但韦生就没有“透视感”了吗，要说，他的透视感，很微妙，是高度风格化的透视感。
比如这张，典型的韦式对称构图，试想，要是红色的沙发没有侧向镜头，形成纵深，这画面就彻底扁平了。
包括这张，也是对称构图，但单靠前景简单的大脑袋，比例上的对比（中景脑袋数倍小于近景），一样形成透视感。
在这个画面里，远处人物的虚焦，近处特写细节的清晰，对比形成纵深感。
最后看张Rushmore里的：
这画面，够不讲究透视感了吧？即使远景有建筑物比例的对比，能看出前景和远景的距离。但它制造透视感的方式，却挺妙，试想，要是没有中景的水痕，把近景人物和远景建筑距离渐渐联系起来、延伸下去，像这样：
因为没有水痕对纵深感的暗示，比如近大远小，以及越来越细密的铺排，除了画面缺少生气外，就是透视感消除了，画面彻底扁平没层次起来。
以上虽然是电影摄影例子，不过完全可以启发绘画：当基础训练里一味的强调“夸张”的透视感后，我们在创作里自然而然就会这么运用，无他，因为习惯了。量产的训练导致量产的创作，可是绘画总归是艺术，如果艺术家不努力玩出自己一套，训练得到的可能是危险的，即使不是危险的，也有可能是限制艺术家的。
这里稍微列举一些方法，不一定是通过透视夸张，也可以制造“透视感”。
其他还有很多，比如颜色上利用对比色，包括构图上采取一些变化，也能得到透视感，不一一列举了。
回到前面那个没有透视感的圆柱体，因为平行透视，它显得没什么“透视感”，套用上面有的方法，或者韦生截图最后那张，其实我们只要建立一个参照物，就能呈现透视感了。
用韦生大法加点不知道啥大概是碎屑的东西，透视感便更加强一些
先谢在教学中，最容易犯的，就是强调夸张的“透视感”，却不从别的角度，去欣赏更富有“暗示性”的透视感，这就是我想说的传统基础教学的僵化。
透视感，夸张与否，用什么方式来呈现，最终是由艺术家的内容、风格决定的。“大开大合”有透视感，“小情小调”不代表没有透视感。
还是那句话：不是训练要你怎样，你创作也就怎样。最重要的，还是你要创作什么？创作中要调用训练过的什么？怎样用？
